Se questo film aggiungesse un po’ di minimalismo autoimposto, potrebbe avere molto più successo come studio del personaggio.
Come "Between the World and Me" di Kamilah Forbes, "Malcolm & Marie" di Sam Levinson e Doug Liman (Doug Liman) Come "Locked Down" di Natalie Morales, "Language Class" di Natalie Morales è ovviamente un prodotto della nostra era di blocco e la sua premessa è particolarmente adatta alle sue limitazioni tecniche.Mark Duplas (Marc Duplas) (ha scritto la sceneggiatura con Morales) interpreta Adam, un nuovo studente a distanza di Cariño (Morales), un insegnante di spagnolo in Costa Rica.Il suo ricco marito, Will (Desean Terry), si è iscritto al corso come regalo di compleanno.Stabilì rapidamente un legame con Cariño, che si rafforzò dopo una tragedia inaspettata.
L'azione del film si svolge quasi interamente attraverso una serie di chat via webcam, di solito alternandosi tra gli schermi dei laptop presenti nella scena, il che dimostra che l'affascinante modo di recitare supera di gran lunga l'imbarazzo iniziale.Inoltre, sebbene la separazione degli attori limiti il numero di reazioni chimiche che possono creare, a volte aggiunge un senso di originalità che potrebbe mancare nei film tradizionali.Quando i personaggi guardano direttamente la telecamera, si concentrano più chiaramente sui momenti fragili.Concentrarsi su.
Le lezioni di lingua usano anche le loro prospettive limitate per espandere i loro conflitti centrali in modi interessanti.Dopo che Adam si rese conto che la sua villa era in netto contrasto con l'ambiente più umile di Cariño, ammise gradualmente di provare un senso di colpa per i suoi privilegi rispetto a quelli di lei, e le loro videochiamate fornivano informazioni limitate.È un modo efficace per spiegare in modo efficace quanto puoi fare.Comprendere la vita degli altri.
Proprio come “Paddleton” di Alex Lehmann (di cui Dupras era anche co-protagonista), “Language Lesson” ha dimostrato il suo forte interesse per il romanticismo platonico.È uno degli accordi relazionali meno conosciuti nell'industria cinematografica.Entrambi i film trasudano un calore discreto, ma i personaggi qui non sono così peculiari, il che significa che possono superare la soglia di somiglianza di base, ma possono portare la storia solo fino a un certo punto.Anche se ci sono indizi occasionali che Cariño potrebbe esibirsi davanti alla telecamera, e ad Adam non è consentito partecipare a tutti i dettagli della sua vita al di fuori del corso, il mirino del film impedisce che questa idea venga esplorata in modo significativo.In assenza di momenti personali o interazioni nel mondo reale, i dialoghi possono diventare eccessivamente illustrativi, poiché sono costretti ad affrontare da soli gran parte della pesante narrativa.
Durante la precedente chiamata solo vocale, ha accidentalmente acceso la telecamera e ha mostrato brevemente Adam con il viso ferito e gli occhi scuri.Un Carinho imbarazzato si ritirò improvvisamente e stabilì con lui un insegnante più professionale.Relazioni e recente desiderio di mantenere la propria vita privata.Alla fine, i due furono costretti ad affrontare le reciproche differenze, e alcuni argomenti erano troppo chiari riguardo alle insicurezze e agli stereotipi che minacciavano la loro fiorente amicizia.All’inizio, la tensione tra classe, razza e genere dietro questo scambio interculturale veniva sottilmente minimizzata, quindi quando la storia affronta il tema in modo più intuitivo, è una cosa vergognosa.Anche la rivelazione finale della trama potrebbe essere eccessiva.Troppo.Se questo film aggiungesse un po’ di minimalismo autoimposto, potrebbe avere molto più successo come studio del personaggio.
Attori: Natalie Morales (Natalie Morales), Mark Duplass (Mark Duplass), Disney Terry (Desean Terry) Regia: Natalie Morales (Natalie Morales) Sceneggiatura: Mark Diplas (Naslie Morales), Natalie Morales (Natalie Morales) Tempo di uscita: 91 minuti Classificazione: NR Anno: 2021
I personaggi di questo film sono pieni di paure paradossali che possono verificarsi solo nei sogni.
“Fabian: Going the Dogs” di Dominik Graf inizia con un lento carrello che sfreccia giù per le scale nella splendida stazione della metropolitana di Berlino.Anche se chiunque abbia familiarità con il materiale originale del film, come il romanzo di Erich Kästner “The Fabians: A Moralist's Story” pubblicato nel 1931, spera che questa storia si svolga in due luoghi in Germania.Durante la seconda guerra mondiale, ma ora per noi è ovvio, perché le persone sullo schermo indossano, tra le altre cose, polo e jeans.Tuttavia, quando la telecamera oltrepassa la stazione e sale verso la scala opposta, il pendolare indosserà gli abiti dell'orario previsto.La telecamera sale le scale e alla fine ci porta nella zona crepuscolare della Repubblica di Weimar – o almeno quando Graf ne esegue consapevolmente simulazioni incomplete.
Altri segnali indicano che dalle strade di cemento nero agli scorci particolarmente evidenti di stolpersteine, siamo tutti nel momento, con pietre d'ottone incastonate nei marciapiedi per commemorare le vittime dell'Olocausto.Tesla di Michael Almereyda ha ricordato che questo approccio telescopico ai romanzi storici enfatizza la nostra posizione rispetto agli eventi osservati.Tuttavia, il metodo di Graff può resistere ai dispositivi di alienazione eccessivamente stimolanti, come il narratore che minimizza le voci di Google a portata di mano.Inoltre, l'estetica giocosa, folle e severa utilizzata dai filmmaker si adatta al tema scelto, ovvero la società caotica della breve Repubblica di Weimar.I disordini e l'ansia diffusa della Repubblica di Weimar hanno almeno generato parte della maggior parte dell'arte e della vita a Berlino.Esperimenti folli, prima che venissero soffocati dallo stato tedesco che scivolava nel fascismo.
Dopo che l'obiettivo di tracciamento lento e metodico si apre, Fabian lancia una serie di immagini, alternando rapidamente tra pellicola sgranata a bassa specifica e video digitale sbiadito.Ci è stato presentato Jakob Fabian (Tom Schilling), un veterano scioccato con una laurea in letteratura, e in una notte rumorosa era pronto ad assumere il lavoro di copywriter pubblicitario.Fabian torna a casa con una donna anziana (Meret Becker), solo per scoprire che deve firmare un contratto con il marito di lei per andare a letto con lei, e potrebbe anche avere diritto a un risarcimento.Stanco del cinico mix di abbandono dell'attività e procedure ufficiali, che era la base per il suo trasferimento alla vita notturna berlinese, è fuggito nella notte.
In tutto il mondo, Fabian non riesce a far fronte allo spirito dei tempi e il disperato abbandono delle relazioni umane determina il percorso di vita di tutti coloro che incontra.Un collega incompetente gli ha rubato l'idea delle campagne pubblicitarie e di conseguenza ha perso il lavoro.Poco dopo, incontrò e si innamorò dell'attrice Cornelia (Saskia Rosendahl) che aveva incontrato, e quest'ultima viveva nel suo palazzo.Fabian è stato costretto ad accettarla come amante del regista per prendere piede nel film.
Nel complesso, questa storia sull'incapacità dei giovani di affrontare emotivamente il comportamento sessuale del loro amante è una storia sconosciuta.Ma Graf è riuscito a rendere viva questa illusione tenendoci lontani da Fabian, con una narrazione fuori campo artificiale e autorevole (alternando voci maschili e femminili).Anche se, o forse perché siamo stati evacuati dalla coppia, il loro corteggiamento è diventato l'unica cosa al mondo che potesse allevare un cane.Contrassegnati dal tipo di giovani stupidi e interessanti, si sono subito aperti l'uno con l'altro, hanno cospirato per evitare il padrone di casa, gli hippy su un lago fuori Berlino, e si sono esibiti spontaneamente in danze popolari a tarda notte tra i fan-sincerità di Fabian e Cornelia Romance sfonda la tragica ironia della narrazione doppiata.
Il nobile Albrecht Schuch, collega del progetto Fabian, rappresenta un'eccezione al sinistro ridicolo della società nel suo insieme.Labude è molto in ansia per la tesi post-dottorato.È anche un attivo socialdemocratico e un istigatore della razionalità e dei principi di giustizia.Con i suoi ideali, questa persona, proprio come i pendolari che aspettano sulla banchina del treno all'inizio del film, sembra tacere per il momento.I suoi pensieri non sono adatti allo sviluppo dei tempi.Questo potrebbe essere il motivo per cui Fabian sembra essere più scoraggiato.Avere sempre l'ultima parola nella loro conversazione.Ad un certo punto, quando Fabian era solo per osservazione e non per propria difesa, Labude ha chiesto: “In che modo questo aiuta?”Il disfattista di Fabian ha risposto: "Chi sarà aiutato?"Stratifica le ombre.
Alla fine, sia la frivola agitazione politica socialista di Labude che l'atteggiamento di Fabian nello scrivere a distanza furono inghiottiti dalle tendenze storiche.Sebbene il libro di Kästner sia stato pubblicato meno di due anni prima che i nazisti salissero al potere, trasmetteva una premonizione che la Repubblica di Weimar stava per finire, ma non capiva cosa stava per accadere, ma noi e il film abbiamo ereditato questi dettagli terribili, come parte dei nazisti.storia del mondo.Questo oscuro libro satirico di Kästner fa sì che le persone scrutino la società in cui vive il suo autore.Il film utilizza l'effervescenza delle sue immagini, il suo tempo e spazio caotici e la logica onirica dei fumetti grotteschi, che ricordano l'incubo del passato.Il suo carattere è pieno di una sorta di paura contraddittoria, che può verificarsi solo nei sogni: la paura prima del grande disastro è inevitabile perché è già avvenuta.
Attori: Tom Schilling, Saskia Rosendahl, Albrecht Schuch, Meret Becker, Michael Wittenborn (Michael Wittenborn), Petra Kalkutschke (Petra Kalkutschke), Almarscha Stadelmann (Almarscha Stadelmann), Anne Bennent (Anna Bennent), Eva Medusa Gun (Eva Medusa Gühne) Regia: Dominique Graff Sceneggiatura: Dominique Graff, Konstantin Ribb Tempo di uscita: 178 minuti: NR Anno: 2021
A differenza di Malcom & Marie, il lungometraggio d'esordio alla regia di Daniel Brühl si è rivelato un vero e proprio automodellamento.
La porta accanto è il ruolo di Daniel Brühl come attore nel mercato cinematografico globale e il lusso che ne deriva, insieme a una narrativa di ritorsione repressa che in superficie assomiglia a Sam Levinson (Sam Levinson) “Malcolm & Marie”.Ma manipolando il film per verificare i diritti sullo schermo dello sceneggiatore dell'agenzia e del regista, il lungometraggio d'esordio del regista di Bruhl si è rivelato una vera satira autoprodotta.Brühl non indulgerà nella falsa umiltà di molte satire hollywoodiane;in effetti, “la porta accanto” è la crudele satira di questa forma di complicità, in cui le star del cinema, e anche la gente comune, sono in politica. Quando correggevo il mio bromuro, vivevo una vita che mi piaceva, chiudendo un occhio sull'ambiente circostante , soprattutto i tanti quasi ebrei che potevano permettersi di pagare.Realizzare in modo complicato la sopravvivenza dei servi delle classi medie e alte.
Bruhl interpreta la star del cinema Daniel (Daniel), gli somiglia sotto tutti gli aspetti.Come Brühl, Daniel gode di privilegi a Colonia e ha fatto notevoli progressi nel mondo dello spettacolo.All'inizio di Next Door, Daniel si stava preparando per un provino nel suo lussuoso appartamento a Berlino per interpretare un ruolo in un blockbuster top secret, che gli ricordava il suo ruolo in Captain America: Civil War “Nel ruolo.Quindi, per un breve periodo, siamo tentati di pensare che questo film sarà un frammento immaginario e improvvisato della vita di Brühl, che probabilmente dipende dalla grande audizione fino a quando non appariranno gli ostacoli.Daniel si è fermato al bar diretto all'aeroporto ed è stato ospitato da un normale Bruno (Peter Kus).In netto contrasto, queste persone condussero studi drammatici: Daniel si vestiva in modo ordinato, completava gli esercizi mattutini e sagge abitudini alimentari, mentre Bruno era più vecchio, goffo e apparentemente abituato a mangiare.Una colazione e una birra più ricche.Tuttavia, gli occhi di Bruno non sono teneri, perché sin dalla sua prima apparizione nel film, quest'uomo trasuda saggezza acida e rabbia.
Quando le persone lottano con la volontà, la sceneggiatura di Daniel Kehlmann mostra sottilmente la nostra lealtà.Daniel è un umile idiota che subisce il minimo colpo nel film.Una volta disse al proprietario del bar che era contento di non prendere il caffè forte perché era amaro e poteva provocare un infarto.Questo gesto è il suo umile pensiero, quando le persone che realmente appartengono a quell'Ordine forse non hanno bisogno di pensare al concetto di umiltà.C'è anche una battuta subdola, che all'inizio è divertente, ma poi diventa una minaccia.In questo caso, le persone (dal proprietario del bar ai suoi fan) entrano nei dintorni del bar senza la reale attenzione di Daniel, il che si manifesta concisamente. Era cieco nei confronti del proletariato finché quest'ultimo non ha imposto una stima.
Ma Bruno non è certo un eroe operaio proposto al facile consumo di ricche prediche.L'uomo era molto infelice, guidato con amarezza e, a modo suo, era qualificato quanto Daniel, come dimostra il modo in cui si è inserito nella mattinata di Daniel, insistendo con l'attore che il suo film fa schifo e insultandolo personalmente.Daniel ha detto a Bruno che le sue opinioni erano irrilevanti perché pensavamo che una simile affermazione facesse parte della difesa di personaggi pubblici.
Questi due personaggi di solito non sono simpatici, anche se sono entrambi molto attraenti e imparentati tra loro, e insieme esercitano la nostra gelosia e risentimento verso l'élite sociale, il che rende "La porta accanto" una qualità ansiosa, e potrebbe anche essere particolarmente in questo modo. ., E la conversazione tra Daniel e Bruno è stata calma e aggressiva solo in senso passivo.All'inizio era ovvio che Daniel non avrebbe lasciato questa soglia e forse non avrebbe nemmeno voluto restare a livello subconscio, perché gli uomini si usano a vicenda per scacciare i loro demoni culturali.Hanno scoperto che il disgusto reciproco è accompagnato.In questo senso, il film ricorda molti thriller di Hitchcock, in particolare “Lo sconosciuto sul treno”, che include anche un agente caotico di nome Bruno.
La sceneggiatura anticipa le varie spiegazioni di Bruno per Daniel, la ragione più chiara delle quali è il risentimento di Bruno per la tensione pochi giorni prima della riunificazione della Germania.Bruno inizialmente affermò di simpatizzare con la Stasi, data la crisi finanziaria nella Germania dell'Est rispetto alla Germania dell'Ovest, il divario sociale tra Stasi e Daniel e Bruno era parallelo.Tuttavia, questa idea non è mai stata esaminata a fondo ed esiste effettivamente come decorazione per la finestra della scena del tracker.Tuttavia, Brühl vuole rispettare la qualità della vita quotidiana, soprattutto il modo in cui gli uomini si godono il lusso nella delusione, e viene scambiato per troppo presto, e non si è mai dedicato completamente allo scavo dei meccanismi del genere.Immagina uno sconosciuto su un treno, che non rilascia estaticamente il suo apparecchio.
Nella seconda metà di Next Door, le parti sciolte e sottoutilizzate hanno continuato ad accumularsi, raggiungendo infine un finale consapevolmente incompleto.Il tipo di grazia spregevole che queste persone hanno ricevuto alla fine del film le ha unite in un ambiente desolato e le ha fatte unire oltre enormi barriere sociali.Questo mostra un punto di svolta piuttosto che una conclusione, che ci fa sentire meglio.Un film di coppia anomalo che non si realizzerà mai è pronto.Questo mistero inspiegabile è infatti coerente con il design del film, riconoscendo la disuguaglianza, che spesso colpisce le nostre vite, di solito senza commenti o catarsi.Nel caso di “Next Door”, tale conclusione è più valida dal punto di vista teorico e sembra essere una strategia di uscita per i cineasti che non hanno ancora pensato completamente al finale.
Attori: Daniel Brühl, Peter Kurth, Aenne Schwarz, Nils Doergelo, Rike Eckermann ), Vicky Krieps (Vicky Krieps) Regia: Daniel Brewer (sceneggiatore): Daniel Kehlmann (Daniel Kehlmann) Tempo di uscita: 94 minuti Valutazione: NR Anno: 2021
Questo film allude alla fusione tra i film Eco Doctor e Acid Western, e questa differenza tra generi diversi porta a una misteriosa atmosfera di tensione.
"A Shape of Things Come" di Lisa Malloy e Monaco (JP Sniadecki) allude alla fusione tra documentari ecologici e il desolato West acido, e le differenze tra questi generi causano una tensione misteriosa.A volte, Sundog, il recluso dalla barba lunga al centro del film, è come un divertente hippie, che beve birra, balla in un bar locale, legge romanzi e si diverte con vari animali in un temporaneo ecosistema ranch-slash. Deserto di Sonora vicino al confine messicano.In altri posti, sembrava avere i denti, puntava un fucile ad alta potenza contro la torre di sorveglianza, pattugliava con disprezzo l'auto della polizia di frontiera e faceva i capricci.Potresti ritrovarti diviso, guardando il film per celebrare l'autosufficienza di una persona, in quest'era siamo profondamente dipendenti da Grid, o preoccupandoti che sia una persona strana e ipocrita che esprime la sua insoddisfazione a modo suo. dell’eccezionalismo sociale.Per Sundog, questa è la sua strada o autostrada.
La forma delle cose future è in gran parte immersa nella vita quotidiana di Sundog.Questo film ricorda alla gente quanto siano affascinanti i contorni dei vari processi quando gli artisti hanno la sicurezza di osservare il loro soggetto ma non sono interessati (in questo caso, dalla caccia e macellazione degli animali da parte di Sundog alla raccolta dei rospi nel mezzo del veleno notturno). .Lascia che rispettino la narrativa prescritta.Questa volontà di abbandonare la narrativa tradizionale coincide con l'evitamento di Sundog dalla società tradizionale.La vita di Sundog sembra essere priva di rumore, dalla durezza della pubblicità al discorso politico polarizzato, senza eccezioni.Una delle scene più emozionanti del film è quella in cui fa semplicemente il bagno in una vasca da bagno all'aperto, sente i suoni naturali e si gode un momento di riflessione e conforto.Quando affondò nell'acqua, fu come se tornasse nel grembo materno.
Una certa aspettativa di violenza, unita all'ambiguità dell'ambiente creativo del film, ha impedito a “The Shape of Things” di diventare una celebrazione dolce e adorabile, vivendo la propria vita a modo suo.La fotografia traballante di Malloy e Sniadecki emana una sorprendente trama nevrotica, che ricorda i dipinti di paesaggi di Vincent van Gogh.Nelle prime immagini, Sundog è stato ripreso obliquamente mentre camminava tra varie piante, suggerendo pennellate folli e riflettendo lo spazio mentale irrequieto di Sundog.Il film utilizza anche simboli più ovvi, come le inquadrature presagi dell'aereo (il messaggero di Sundog di corruzione e inquinamento nel mondo) e le inquadrature premonitrici del serpente a sonagli, che potrebbero anche essere un'interpretazione termica della crescente frustrazione di Sundog..Utilizzato insieme al programma di monitoraggio di Broder Patrol.Momenti così folli, soprattutto nelle scene in cui Sundog sembra aver commesso crimini gravi, ci fanno dubitare se stiamo effettivamente guardando un documentario o se siamo più vicini a un thriller sperimentale.
Nei 77 minuti di “La forma delle cose nel futuro”, Malloy e Sniadecki invitano il pubblico a leggere vari significati profondi e inquietanti nel titolo del film.Potrebbe alludere al folle sviluppo di Sundog, o alla follia del mondo di metallo e plastica che abbiamo costruito quasi ereditando la natura, o entrambi.In questa situazione piuttosto inquietante, potresti pensare che Sundog soccomberebbe alla macchina moderna dell'azienda, perché la sua comprensibile rabbia potrebbe minare la sua capacità di godersi l'eccellente piccolo santuario, che ha lottato in una terra di tolleranza..
Regia: Lisa Malloy (Lisa Malloy), JP Sniadecki Uscita: Grasshopper Movie Tempo di uscita: 77 minuti Valutazione: Indeciso Anno: 2020
Questo film atterrerà e atterrerà come espressione di fiducia illimitata nella nostra comune umanità.
"Raya e l'ultimo drago" di Don Hall e Carlos López Estrada porta con sé Disney e altri recenti eventi di intrattenimento Disney. Ad esempio, Vaiana è vividamente arricchita e migliorata.Hanno menti mature, alcuni elementi della trama estesi e si impegnano a mostrare una varietà di culture e avatar asiatici sullo schermo: The Last Chizong.Naturalmente, anche se la serie Nickelodeon si ispira alle tradizioni dell’Asia orientale, il film incorpora attentamente elementi dei paesi del sud-est asiatico (tra cui Vietnam, Cambogia e Laos).
Tuttavia, nella vasta costruzione del mondo e nella diversità estetica, Raya e “L’Ultimo Drago” ricordano ovviamente l’esperienza di guardare il film “Star Wars”.Il viaggio di Raya (Kelly Marie Tran) da terra a terra - dal mercato galleggiante di Talon al palazzo di marmo dell'Arca - ha i suoi rituali, tavolozze e questioni uniche (ad esempio, in Talon, l'artista è vestita da dolcezza).Adele Lim (il ricco pazzo asiatico) e la sceneggiatura del drammaturgo Qui Nguyen, senza sacrificare lo slancio della storia leggendaria del protagonista, hanno svelato in modo affascinante il mito del mondo fantastico in continua espansione.
All'inizio del film, Kumandra è un regno distrutto da violenti strappi tra cinque paesi isolazionisti e infestato da Druun, un mostro simile allo smog che trasformerà migliaia di cittadini in pietra.Sei anni dopo che suo padre (Daniel Dae Kim) ha subito questo flagello, Raya cerca di ricostruire una gemma magica frantumata e crearne una che una volta salvò Kumandra ed esiliò Druun). Il leggendario drago è resuscitato.
Se questo tipo di trama si sviluppa con la stabilità e la prevedibilità dei videogiochi (in ogni paese), Raya otterrà un'altra gemma e recluterà membri per la sua sporca squadra di avventurieri, lo scenario lussureggiante e l'evoluzione di Raya eviteranno ogni senso di ripetizione.Fondamentalmente, Raya ha un problema di fiducia: è stata la sua falsa fiducia nella vicina "nerd dei draghi" Gemma Chan (Gemma Chan) quando era giovane a portare alla distruzione della gemma e al rilascio di Druun.Ciascuno dei nuovi compagni di Raya la costringe ad affrontare la sua paura di perdere la fiducia, e questo film riflette bene i demoni delle ragazze nel regno geopolitico, e i cinque paesi si rifiutano di unificare le minacce che devono affrontare.
Nei panni del salvatore di Raya, il drago d'acqua Sisu, Awkwafina offre una performance sonora unica e rubata, che inevitabilmente ricorda Robin Williams di Aladdin della Disney.) Il mago.Sullo sfondo sublime dell'epopea fantasy ad alta quota, Awkwafina parla velocemente ed è autoironico.Ha familiarità con i suoi ruoli comici passati.Sembra che sia una figura ultraterrena e contemporanea in un paesaggio favoloso.Nella grande tradizione Disney, Raya e Last Dragon abbondano di adorabili amici, come alcuni insetti delle pillole e alcuni Alan Tudyk di Amadelo., Nel ruolo di animale domestico e di trasporto allo stesso tempo, così come il Capitano Boun (Izaac Wang), un bambino cuoco e capitano, la sua famiglia fu gettata a Druen.
Sebbene Raya sia un'eroina coraggiosa e nobile, ha un'ammirevole fiducia in se stessa nella sua intelligenza e forza, ma lo shock di Namari nel tradirla lascia un retrogusto incrollabile, che a volte la fa agire impulsivamente con rabbia o vendetta.Il fantasma arrabbiato della ragazza ha portato un certo grado di pericolo in questa lunga battaglia, che sembrava andare oltre il solito programma low-key della Disney.Attraverso le sue solite battaglie di arti marziali con Namaari, o battaglie con le armi e combattimenti ravvicinati, la feroce coreografia mostra che queste due giovani donne sono entrambe mortali e pericolose l'una per l'altra.Per Raya, la rinfrescante frivolezza si basa sul gelido tumulto interiore della regina Arendelle, la regina Elsa, che chiede al pubblico di accettare le imperfezioni dell'eroina, anche se a volte prova paura nell'azione.Questi conflitti violenti non sono gli unici elementi del film che restano nell'oscurità: quando Raya e Sisu incontrano Tong (Benedict Wong) in piedi, solo in uno stato di distruzione, lo sguardo di Raya vaga sulla culla vuota nell'angolo , La perdita di illuminazione senza una parola è troppo dolorosa per essere discussa.
Raya e l'ultimo drago evitano un finale più oscuro e agrodolce, in modo da poter uscire facilmente dalla situazione difficile: nella scena finale, la mortalità e la disperazione senza fondo vengono facilmente invertite.Tuttavia, questo pubblico giovane potrebbe non aver bisogno che i film Disney gli dicano che, come il Druun descritto da Sisu, “la piaga derivante dalla disarmonia umana” causerà danni duraturi.Nei suoi termini meravigliosamente descritti, il film usa il luogo dell’atterraggio come una celebrazione della speranza, mostrando come sarà una fiducia illimitata nella nostra comune umanità.
Attori: Kelly Marie Tran, Awkwafina, Jemma Chan, Daniel Dae Kim, Sandra Oh, Ben Benedict Wong, Izaac Wang, Talia Tran, Alan Tudyk, Lucille Soong, Patty · Harrison (Patti Harrison), Ross Butler (Ross Butler) Regia: Don Hall, Carlos Lopez Estrada (sceneggiatore), Adele Lim Uscita: Walt Disney Studios Motion Pictures tempo di uscita: 107 minuti Valutazione: PG Anno: 2021
Il film non è riuscito a cogliere efficacemente come l'esperienza di vita e di lavoro della sua protagonista abbia influenzato la sua vita di persona e di artista.
Basato sulle omonime memorie di Joanna Rakoff, “My Salinger Year” dello scrittore e regista Philippe Falardeau, ambientato negli anni '90, ha preso un percorso fatiscente, seguendo le due Joanna (Margaret Querley), da adolescenti, che hanno cercato di iniziare la sua carriera di scrittrice e sperava che si distinguesse dal suo attuale lavoro di segretaria della New York Literary Institution.Il suo lavoro è una caratteristica che distingue questo adattamento da molti altri film che scrittori ambiziosi cercano di adattare nelle grandi città, perché il capo di Joanna, Margaret (Sigourney Weaver), rappresenta. Con lo scrittore solitario JD Salinger di Il giovane cacciatore, questa giovane donna realizza il illusione comune di uno stretto contatto con gli eroi letterari.Tuttavia, ciò significa anche che il film è pieno di riferimenti alla moda a opere letterarie e personaggi spezzati, e questa familiarità diventa rapidamente mediocre.
La trama di tutta la storia delinea il lavoro di Joanna nell'agenzia fotografica, la sua vita personale e la trama della sua lotta per diventare una scrittrice, intrecciati insieme senza troppa convinzione, come se stessi guardando due film diversi.Sebbene Joanna sia uno dei misteri più leggendari del mondo letterario, Joanna crede che il suo lavoro sia solo un trampolino di lancio verso la sua carriera, e questa ambivalenza sembra essere scomparsa nella narrazione di Falado.
Poiché “Il mio anniversario di Salinger” non è riuscito a cogliere in modo efficace il modo in cui la sua vita e la sua esperienza lavorativa hanno influenzato la sua vita come persona e artista, Joanna si è sentita come un vuoto.Tranne il momento in cui ha detto di aver pubblicato due poesie, non sapevamo quasi nulla della sua scrittura e del suo processo.In questo caso, il suo fidanzato narcisista Don (Douglas Booth) sta scrivendo questo romanzo, che ha attirato molta attenzione da parte di Falado, il che è un po' irragionevole.direzione.
Ci sono stati almeno alcuni momenti emozionanti che hanno reso attivi i miei anni da Salinger, nient'altro che il riconoscimento dei fanatici della segale tra le sentinelle.Nelle istituzioni letterarie, il compito di Joanna è rispondere alle superstizioni di Salinger con risposte scritte in anticipo da impersonali decenni fa.Mentre i fan guardano la telecamera mentre leggono la lettera, il film racconta implicitamente che l'impronta di una grande opera attira tutti i tipi di lettori, e allo stesso tempo sembra essere scritta per un lettore.Secondo la politica aziendale, è stato ancora più agghiacciante quando Joanna ha tagliato in pezzi la lettera di un fan subito dopo aver completato la sua risposta.
Ma l'eloquenza iniziale su questo punto si trasformò in goffaggine, quando Joanna cominciò a immaginare che un particolare fan (Theodore Pellerin) fosse una coscienza immaginaria, e Falado usò questo personaggio per esprimere molteplici espressioni.Il sottotesto della scena.La comparsa di questo tipo di espediente narrativo in una narrazione altrimenti semplice mi ha inavvertitamente ricordato una storia precedente in "My Saling Year", quando Joanna era una canaglia e rispondeva a un sostenitore con le sue stesse parole Lettera da.Joanna ha detto a uno studente delle superiori di trarre ispirazione da Holden Caulfield e di pensare con la propria testa.È difficile non pensare che il film stesso avrebbe dovuto ascoltare il suo consiglio.
Attori: Margaret Qualley, Sigourney Weaver, Douglas Booth, Brian Obern, Théodore Pellerin ), Colm Feore (Colm Feore), Senna Haq (Henza Haq) Regia: Philippe Falardeau Sceneggiatura: Philippe Falardeau Uscita: IFC Film Festival Durata della proiezione: 101 minuti : Anno R: 2020
Qual è la differenza tra il cinema e le notizie ordinarie, e il suo intervento nella realtà, è la differenza nel tempo.
Come sappiamo dalle commedie slapstick, le mosche sul muro possono trasformare qualsiasi scena in un giornale arrotolato, i mobili diventano una bottega di un fabbro e un caotico vortice di caotica polizia speciale che seduce gongolando.I documentari che volano sul muro comportano rischi simili.Considerando come il comportamento di osservazione cambi necessariamente ciò che viene osservato, i cineasti devono sempre scegliere l'obiettività della posizione relativa al loro soggetto: se il soggetto è politico, ciò avrà conseguenze complicate.
Alcuni registratori accettarono questa contraddizione e registrarono il loro intervento come parte della realtà che registrarono.Ad esempio, Joshua Oppenheimer (Joshua Oppenheimer) nel "Killing Act" ha invitato Gli autori degli omicidi di massa in Indonesia nel 1965-66 ricostruirono il crudele "eroismo" di fronte agli inferi.telecamera.Dando uno sguardo superficiale, Jill Li, la prima regista, ha scelto il metodo meno pratico del “Lost Course”, in cui ha registrato una scena a Wukan, un villaggio di pescatori cinese nella provincia del Guangdong.Le proteste polacche hanno portato a un esperimento democratico fallito.
Nella prima parte del film "Protesta", quando gli abitanti del villaggio di Wu hanno reagito alla vendita di terreni pubblici da parte di funzionari governativi corrotti, hanno organizzato manifestazioni su larga scala e petizioni collettive e sono stati sostenuti da uno sciopero generale, la telecamera di Li è caduta nella parte più profonda dell'azione..Con l'ascesa del movimento, il film si concentra sul nucleo di alcuni attivisti che sembrano avere le migliori intenzioni e sono determinati a fungere da istituzione statale monopartitica cinese.Alla fine, le proteste hanno costretto il governo ad approvare la richiesta degli abitanti del villaggio di libere elezioni, e i leader del movimento sono stati costretti a ricoprire un posto nel comitato del villaggio.
La seconda parte “Dopo la protesta” sarà aperta un anno dopo le elezioni.Il nuovo comitato del villaggio è caduto nella burocrazia ed era impotente e non è riuscito a ripristinare la terra a Wukan.Allo stesso tempo, i governi di livello superiore hanno selezionato la propria leadership, formando così un cuneo tra loro e gli elettori.Con il passare degli anni, mentre gli abitanti del villaggio si rassegnavano al lento e inevitabile declino di Wukan, la loro disillusione veniva disillusa.
Ora che non ci sono molte proteste, questo ha aperto lo spazio per Li-liriche lanterne rosse e bianche brillano in una pozzanghera di pioggia, o falene vengono bruciate da zippo con disperata crudeltà per mostrare il ritmo della vita quotidiana e tornare a Wukan.Tuttavia, queste sono ancora eccezioni alla regola secondo cui non disturba la telecamera.La regola della telecamera presenta solo la situazione quando si svolge la scena, e il regista non è mai intervenuto nella sua politica o ha esercitato un giudizio sugli abitanti del villaggio (il che potrebbe spiegare a Li il motivo per cui gli è stato permesso di girare il film).Prima di tutto).Durante tutto il processo, qualcuno sentiva che stava coltivando la propria fiducia.Sono abituati all'esistenza della telecamera e sembrano parlare direttamente alle persone dietro di loro invece che al pubblico immaginario, e corrono persino dei rischi rivelando dettagli delicati.
Al culmine del movimento, altre troupe cinematografiche e giornalisti sono apparsi alla periferia, ma quando la polvere si è calmata, ciò che è rimasto è stata la telecamera di Li, che scavava nel caos quotidiano delle sfilate e degli spettacoli elettorali.La differenza tra il progetto di Li e le notizie ordinarie è il suo intervento nella realtà, che è una differenza di tempo.Da parte sua, Robin Li ha trascorso sei anni (dal 2011 al 2017) lottando per girare Wukan e, cosa forse più importante, per le conseguenze, il che sembra irrilevante, ma è una dedizione ai film incorporati, in più con la sua durata di tre ore, questo dà al corso la forza della perdita.
Questo film ha dedicato molto tempo non solo a discutere la lotta di Wu Kan come processo politico cinese a livello micro, ma anche a condurre studi sui personaggi di persone rilevanti.Anche quando il loro entusiasmo e la loro innocenza, anche quando hanno smesso di combattere, si sono condannati a vicenda o hanno inseguito ciecamente i risultati ottenuti in passato quando il movimento politico era stagnante, l'obiettivo di Li è rimasto fermamente solidale.Poiché la sua politica può essere solo accennata attraverso questa simpatia, lascia che il pubblico impari da essa e spieghi la situazione.È comune che gli individui siano politici, ma la “Strada Perduta” ricorda alle persone che anche i politici sono individui.
Se la serie “SpongeBob SquarePants” si è finalmente aperta, sembra che sia il pubblico a deludere di più il pubblico.
"Chi salperà per un'altra avventura che mi farà guadagnare soldi?"Già nel film "SpongeBob SquarePants: Sponge is Running" veniva urlato come il capo di Krabby Patty, Crabs (Clancy Brown).) Quando ho pianto.Squidward (Rodger Bumpass), il dipendente più teso di Mr. Crabs, ha alzato gli occhi al cielo prima di lasciare il fast food sottomarino.Di fronte a un cinico film mercenario come questo, è difficile non provare simpatia per Squidward, perché il terzo lungometraggio basato sull'amata serie animata di Nick Layton sembra mirare principalmente ad attirare gli adulti, con star identificabili che compaiono nel rilievo live-action., E film iconici.Ruolo nautico.
Quando l'inutile re Poseidone (Matt Berry) rapì l'amata lumaca di mare di SpongeBob (Tom Kenny), Gary (anche lui Kenny) per usare il suo muco per la cura della pelle, SpongeBob e Patrick (Bill) Fagerbakke) decisero di salvarlo dalla terra perduta. città di Atlantic City, che è “un terribile, famigerato pozzo nero di depravazione morale”.I fan di SpongeBob SquarePants sapranno quanto Gary significhi per il suo proprietario e, nel campo estivo, la festa della coppia è carina e seria a posteriori.Tuttavia, la “spugna che scappa” a volte è incosciente e incapace di concentrarsi sul compito.Nella Città Perduta di Atlantic City, c'è anche un lungo tempo di gioco, dove SpongeBob SquarePants e Patrick scoprono di non riuscire sempre a concentrarsi su di esso.
Le serie TV di SpongeBob amano sempre i momenti casuali, e anche Sponge on Run non è privo di innocue stranezze, proprio come ha spiegato Patrick con ridicola serietà presentandosi una volta: “Il mio nome è sui Celtics.Significa un tostapane.Ma questa logica goffa appare in modo più efficace nelle caratteristiche passate di SpongeBob, che sono una raccolta di tratti caratteriali carini e peculiari.Qui, la narrazione stessa è assurda.
Una volta che Snoop Dogg e Keanu Reeves compaiono in una sequenza di sogno lunga e impotente, è una distrazione, non un'illusione;nella sequenza del sogno sono presenti l'erbaccia in fiamme e il volto di quest'ultimo., Sfida SpongeBob e Patrick a liberare una squadra di ballo hip-hop carnivora.Il pirata zombie della berlina Diablo (Danny Trejo).Tuttavia, l’incomprensibilità non equivale all’assenza di scopo, perché le apparizioni di celebrità sembrano essere inserite per scopi di marketing.Con questo film esce Kamp Koral, il prequel di questa serie TV, e nell'ultima mezz'ora, abbandonando una serie di trame e adottando una serie di piani per il ritorno al campo estivo, sembra far parte di un'avventura redditizia. .
SpongeBob SquarePants è sempre stato la cosa più strana e meravigliosa è che permette ai bambini di vedere la vita marina da adulti a colpo d'occhio.Al contrario, “SpongeBob SquarePants” ha abbandonato gli iconici ravioli insipidi della serie e ha chiesto al pubblico di crescere se voleva tenere il passo (ad esempio, il festival volgare menziona “persone assonnate”. Vomito di notte”).
Pochi Sponge on the Run riescono a trovare il classico punto debole, vedendo i bambini in grado di comprendere l'umorismo complesso pur lasciandoli parlare in una stupida farsa.Il marchio narrativo in stile staffetta della serie a volte viene mostrato in modo efficace qui, ad esempio quando Patrick e SpongeBob vedono uno scorcio della scena spostarsi nella "finestra dello stesso tempo" e quando discutono se le loro avventure diventeranno più .Tempo come il film di un amico o il viaggio di un eroe.Tuttavia, la coppia potrebbe rimanere delusa nell’apprendere che la loro ricerca sconnessa e noiosa non ha seguito una struttura così soddisfacente.Se la serie “SpongeBob SquarePants” si è finalmente aperta, sembra che sia il pubblico a deludere di più il pubblico.
Attori: Tom Kenny, Bill Fagerbakke, Rodger Bumpass, Clancy Brown, Mr. Lawrence, Jill Tully ( Jill Talley, Carolyn Lawrence, Matt Berry, Awkwafina, Snoop Dogg, Danny Te Danny Trejo, Tiffany Haddish, Reggie Watts Regia: Tim Hill Sceneggiatura : Tim Hill Uscita: Paramount + Tempo di uscita: 91 minuti Valutazione: PG Anno: 2021
I film di Anthony e Joe Russo non riescono mai a sfuggire all'intrinseca vacuità del ruolo di Cherry.
Tom Holland presenta uno sguardo magro e affamato all'inizio di “Cherry” di Anthony e Joe Russo, in cui vediamo i personaggi con lo stesso nome con un modo sorprendente di rapinare banche con metà patrimonio.Il giovane non aveva programmi e non sapeva nulla delle conseguenze, anche perché era dipendente da oppioidi.Tuttavia, come rivela il resto dell'adattamento dell'acclamato romanzo semi-autobiografico di Nico Walker del 2018, la combinazione di ignoranza e combinazione di Lu ha guidato il suo sviluppo e ne è persino diventato dipendente in Iraq.Prima della strada.Chery ha detto nella narrazione: "Ho 23 anni quest'anno e ho allungato le parti precedenti e più attive del film, ma ancora non capisco cosa stanno facendo le persone".Il centro (se esiste) semplicemente non ha luogo.
Dopo le battute di apertura, il film è stato accorciato di cinque anni fino al 2002, quando Cherry aveva gettato i semi per la sua futura autodistruzione.Proprio come l'Olanda giocava con un fascino brillante, anche se si trovava nella situazione più devastante e perduta, la ciliegia rimbalzava ancora in modo un po' casuale nella sua vita.Prima di tutto, abbiamo sentito molto da lui: raccontava letteralmente i suoi falsi tentativi di catturare la vita, mentre trascorreva del tempo a Cleveland e trascorreva del tempo con amici senza alcun posto e si impegnava in falsi insieme al lavoro.In seguito, poiché una serie di scelte sbagliate avrebbero limitato le sue scelte, non avrebbe più avuto nulla da dire.
Con il pilota automatico dell'Università dei Gesuiti, la compagna di classe di Cherry, Emily (Ciara Bravo), si è sentita molto pesante e ha mostrato al pubblico il suo aspetto: un modello brillante e bello di fiducia in se stesso, la sua autoconsapevolezza e il suo umorismo astuto corrispondevano al suo.Anche se la vita di Emily sembra essere più armoniosa, alla fine nel film è ancora piena di misteri, come la vita stessa lo è per la ciliegia.La loro relazione è instabile ma instabile.Dopo aver combattuto con Cherry, rimasero ancora più colpiti quando Cherry si arruolò nell'esercito durante il periodo più intenso della guerra in Iraq.Più impulsivamente, si sposarono prima che lui se ne andasse.
La parte centrale di Cherry risale al servizio militare del nostro protagonista ed è la più convincente.Per un film di 20 minuti uscito da troppo tempo, l'intera sequenza dell'allenamento di base sembra molto ridondante.L'assurdità della vita militare evidenzia ancora una volta la perdita di Cherry in questo mondo che per lui sembra essere solo un brutto scherzo.In Iraq, Russos delinea alcune scene d'azione su larga scala con immagini impressionanti, ma non è sicuro di riuscire a bilanciare l'esperienza di Cherry come medico da combattimento con il trauma emotivo causato dall'umorismo ittero.
Negli Stati Uniti, a causa della mancanza di una guida, la vita di Cherry è crollata rapidamente a causa dell'offuscamento del disturbo da stress post-traumatico.Lui ed Emily divennero ossessionati dall'eroina, che a breve termine portò a stranezze come il furto di denaro dagli spacciatori, problemi di flusso di cassa e rapine in banca.Rispetto alle scene precedenti, la nuova vita criminale della coppia e le sfide che devono affrontare nell'abuso di droga e nella disintossicazione hanno maggiore immediatezza e drammaticità rispetto alle scene precedenti, e le scene precedenti tendono ad essere viste da lontano o addirittura da sviluppi significativi.Ma questo film non riesce ancora a sfuggire all'intrinseca vacuità del ruolo di Cherry.
Collegando la catastrofe della guerra all'estero con la catastrofe della dipendenza in patria e con la mancanza di scopo di Cherry di fronte all'Iraq, i realizzatori sembrano implicare che gli Stati Uniti sono inclini al pericolo e non sanno nulla dei rischi.Tuttavia, anche se questo film coinvolge molti temi chiave ed è pieno di eventi e senso dell'umorismo, il suo stile consapevole (dalla narrazione diretta alla telecamera allo slow motion fino alle tecniche visive come cancellare l'intero sfondo e far apparire improvvisamente i personaggi in colori vivaci, rappresentazioni semplici lo privano dell'opportunità di dire molto. Il regista prende strane decisioni e finisce con vaghe speranze, ma non c'è dialogo che aiuti a spiegare Cherry nella sua vita. I cambiamenti che possono verificarsi sottolineano solo la loro incapacità di articolare le loro ruolo principale, piuttosto che perdere se stessi.
Attori: Tom Holland, Ciara Bravo, Jack Reynor, Jeff Wahlberg, Forrest Goodler K (Forrest Goodluck), Michael Gandolfini (Michael Gandolfini), Michael Rispoli (Michael Rispoli), Daniel R. Hill (Daniel R. Hill) Registi: Anthony Russo , Joe Rose Sceneggiatura: Angela Russo Osto, Jessica Goldberg Uscita: Apple TV + Showtime: 140 minuti Valutazione: R Anno: 2021
Se il mondo fuori dal Supermercado Veran è pieno di povertà e criminalità, allora non lo capiremo da questo piccolo bozzolo.
Per la direttrice Tali Yankelevich, è facile dipingere un umile ritratto di un negozio di alimentari brasiliano nel cuore del supermercato My Darling, dove l'attenzione è rivolta ai rifiuti, ai lavoratori a basso salario e agli attivisti razziali.Dopotutto, il Brasile è un paese caratterizzato dalla disuguaglianza dei redditi e dalla lotta di classe.Invece, Yankelevich ha optato per qualcosa di più interessante, utilizzando una telecamera scorrevole, una colonna sonora stravagante e la bellezza dello zucchero filato, facendo sembrare il Supermercado Veran di San Paolo come le Galeries Lafayette di Parigi.
Qui non c'è insoddisfazione o ingiustizia, solo semplici scaffali bianchi, prodotti deliziosi e lavoratori che amano lavorare.Alcuni ammettono addirittura di stabilire un contatto con i clienti.Altri si vantano della varietà di persone con cui entrano in contatto ogni giorno.Nel sogno il rapporto tra colleghi risale al periodo universitario.Se il mondo esterno è pieno di povertà e criminalità, allora non lo sapremo da questo piccolo bozzolo.
L'approccio fantasy di Yankelevich era così deciso e coerente che il film non è mai sembrato una pubblicità per un paese sanitario inesistente.Pertanto, il mio Darling Supermarket è più vicino alla fantasticheria, il ritratto di un luogo eccessivamente concentrato, e questo luogo ignora felicemente la macro-realtà circostante.Mentre la macchina fotografica di Yankelevich fluttua nello spazio del negozio, ha messo insieme vignette di osservazione e testimonianze del suo datore di lavoro, aneddoti che spesso rendono Gonzo una realtà.Nel processo, la fotocamera umanizza la forza lavoro normalmente invisibile.
Yankelevich non ha rubato loro storie deliziose, ma ha chiesto ai lavoratori di raccontarci le loro passioni, manie e sogni.Abbiamo incontrato uno scaricatore di magazzino che era ossessionato dai giochi di costruzione di città e sospettava che qualcuno avrebbe trovato il suo posto di lavoro degno dell'attenzione del film.George Orwell era un professionista storico, portiere cantante, teorico della cospirazione e teorico della cospirazione.Un'amante degli anime di lingua giapponese, una commessa convinta infesta il supermercato e una guardia di sicurezza che spera che la sua telecamera di sorveglianza possa determinare dove si trova suo figlio.
La cosa più sorprendente è che, anche se non abbiamo mai avuto la sensazione che la fotocamera trascorresse così tanto tempo con loro, tutti i loro problemi esistevano.Come se fossero pieni di ogni tipo di profonda contemplazione nella noia e nell'automatismo, ciò ha reso il loro lavoro più noioso e alla fine ha trovato un pubblico disponibile.Forse questa è la motivazione interna della forma documentaristica, la telecamera attira estranei che hanno bisogno di ascoltatori tardivi.Il motivo per cui Yankelevich ha reso giustizia non è stato per la loro ipocrisia, ma perché hanno riconosciuto la ricchezza delle cose che sognavano e sognavano con loro.
Crisis di Nicholas Jarecki è un thriller procedurale progettato per affrontare la corruzione e i fallimenti che hanno portato all'epidemia di oppioidi negli Stati Uniti.La struttura di questo film è la ragione della sua esistenza, che è il fulcro dell'immaginazione di Jarecki, perché il regista e il regista hanno creato tre trame che mostrano come la dipendenza da oppioidi viene coltivata in diverse classi della società: Uomini d'affari di strada commerciano con farmacisti loschi.A queste università, le aziende farmaceutiche forniscono ai professori finanziamenti elevati per “rinnovare” la loro ricerca;tra il Canada e gli Stati Uniti, le forze dell’ordine conducono transazioni con i trafficanti.La guerra in corso.Dando priorità al processo di sistema piuttosto che al protagonista, “Crisis” invita quasi deliberatamente al confronto con qualsiasi film di Steven Soderberg.
L'influenza dei processi professionali sulle relazioni interpersonali è la principale ossessione di Soderberg come artista, e tutto, dalle sue opere sensazionali agli esperimenti a bassa fedeltà, ha avuto origine.È bravo a usare una singola sofferenza umana per informare argomenti e procedure potenzialmente noiosi, come i dolorosi primi piani di Benicio del Toro in Traffic, e l'inquietante formato La specificità clinica e la paura di Kromberg hanno portato alla diffusione di malattie infettive.Al contrario, la regia di Jarecki ha una qualità esilarante avanti e indietro, il che implica che i tre piloti televisivi si uniscano casualmente per dimostrare un punto ovvio.Jarecki potrebbe non essere sicuro che il suo argomento incentrato sugli oppioidi sia sufficiente a sostenere un film, quindi ricorre ai cliché della vendetta criminale, dalla madre vendicativa alla polizia, è troppo onesto per questo mondo fragile.La crisi si è conclusa con un noioso finale di 30 minuti.
Nell'attività di arbitraggio, Jarecki ha abilmente confuso i melodrammi con gli attivisti, utilizzando la seducente performance della star del cinema di Richard Gere nei panni di un magnate degli hedge fund, rendendoci attraenti. La disfunzione sociale della forza è confusa dagli architetti.Martin Scorsese (Martin Scorsese) in “Wolf of Wall Street” (Wolf of Wall Street) ha intensificato questo trucco di attirare il pubblico all'estremo, ha ammesso che l'avidità sociale è la nostra stessa amplificazione, offrendo allo stesso tempo al pubblico il divertimento di essere in grado di gestire abilmente comportamenti scorretti senza alcuna conseguenza.
La crisi ha dimostrato che Jarecki aveva dimenticato questa tecnica, perché le pedine rigide mettevano alla prova o stimolavano stereotipicamente il pubblico, e non lo distraevano, tranne alcuni suggerimenti obbligatori che gli sceneggiatori dietro le quinte suggerivano allo sceneggiatore di selezionare la casella.Quando si tratta di gangster canadesi e armeni del fentanil, la determinazione dell'agente segreto della DEA Jack Kelly (Armie Hammer) non è mai stata torturata o censurata, e della tossicodipendente Claire (Evangeline Lilly), che si sta riprendendo mentre indaga sulla fatale overdose di suo figlio, sbatté appena le palpebre.Essere ucciso.Alcune persone pensano che la morte di un figlio a causa della scelta dei farmaci da parte della madre porterà a potenziali ricadute e ad alcune intuizioni o incidenti che hanno esercitato una pressione sulla sopravvivenza, ma questa possibilità è stata solo cancellata.Invece, Jake e Claire sono entrambi considerati eroi dei film d'azione.
La storia più ambiziosa e forse inquietante della crisi è anche la più ridicola.Il dottor Taryn Brower (Gary Oldman), uno scienziato ed educatore veterano che da molti anni sperimenta con i soldi di una grande azienda farmaceutica (Big Pharma), è rimasto scioccato.I donatori potrebbero volere qualcosa in cambio, ovvero l’approvazione di un farmaco fittizio, presumibilmente non-avvincente, che potrebbe essere più letale dei farmaci letali.Oxycam.Tenendo conto dell'esperienza professionale del personaggio, l'ingenuità di Tyrone, interpretato istericamente dall'Assessore, sembra ridicola, e Jarecki ha sprecato qui le migliori idee del film.
Quando Tyrone minacciò di informare l'informatore, università e aziende farmaceutiche riesumarono una vecchia reputazione di molestatore sessuale, che lo rese famoso, anche se l'impatto emotivo di questa minaccia e l'ipocrisia di Tyrone come persona ritenuta la verità non furono mai scoperti.In effetti, il regista è rimasto così sorpreso dalla vita interiore dei suoi vari personaggi che ha persino ignorato l'influenza del famoso matrimonio di Tyrone sul suo matrimonio.La crisi ha cambiato continuamente l'elemento umano della storia, cioè il dramma, in cambio di statistiche sulla droga che possono essere ricercate da Google in pochi secondi.
Attori: Gary Oldman, Arme Hammer, Evangeline Lilly, Greg Kinnear, Kid Cudy (Kid Cudi), Luke Evans, Michelle Rodriguez, Indira Vama (Lily-Rose Depp), Mia Kirchner (Mia Kirshner, Michael Aronov, Adam Suckman, Veronica Ferres , Nicholas Jarecki, Daniel Jun ), Martin Donovan Regia: Nicholas Jarecki Sceneggiatura: Nicholas Jarecki Uscita: Quiver Tempo di uscita: 118 minuti Valutazione: R Anno: 2021
I cookie necessari sono assolutamente essenziali per il normale funzionamento del sito web.Questa categoria contiene solo cookie che garantiscono le funzioni di base e le caratteristiche di sicurezza del sito web.Questi cookie non memorizzano alcuna informazione personale.
Tutti i cookie che potrebbero non essere particolarmente necessari per il funzionamento del sito Web e che vengono utilizzati specificamente per raccogliere dati personali dell'utente tramite analisi, pubblicità e altri contenuti incorporati sono chiamati cookie non necessari.È necessario ottenere il consenso dell'utente prima di eseguire questi cookie sul tuo sito web.
Orario di pubblicazione: 02-marzo-2021